Oggi siamo entusiasti di avere con noi Marc-Antoine Coulon, un nome che risuona con eleganza e raffinatezza nel mondo dell’illustrazione di moda. Con il suo tratto inconfondibile, fatto di linee precise e colori vibranti, Marc-Antoine ha ridato vita all’arte dell’illustrazione, catturando l’essenza del glamour e dello stile parigino. Dalle pagine di Vogue, Madame Figaro e Harper’s Bazaar alle collaborazioni con grandi maison come Cartier e Jean-Paul Gaultier, il suo lavoro celebra la bellezza, l’atteggiamento e la fragilità di ogni figura che ritrae, spesso con un tocco di modernità che richiama il leggendario René Gruau. Nato con la passione per il disegno fin dall’infanzia, Marc-Antoine ha trasformato il suo amore per l’arte, la moda e il design in una carriera straordinaria, che lo ha portato dalle passerelle francesi ai progetti internazionali. In questa intervista, ci parlerà del suo percorso artistico, delle ispirazioni che guidano il suo lavoro e delle emozioni dietro le sue magnifiche creazioni. Benvenuto, Marc-Antoine, e grazie per essere qui con noi!

Intervista con Marc-Antoine Coulon


Il tuo percorso artistico è iniziato molto presto, a due anni, e citi René Gruau come una grande influenza scoperta a quattro anni. Come ha plasmato questa fascinazione precoce per l’illustrazione di moda il tuo stile unico, che descrivi come glamour, senza tempo, ma talvolta insolente?
Parlare del proprio stile è sempre complesso; un artista si affida molto all’istinto. Posso dire che, fin da piccolo, ho compreso l’importanza della bellezza del tratto. Per me, lo stile ha sempre prevalso sul messaggio. Se il tuo stile è banale, nessuno coglierà ciò che vuoi esprimere. Uno stile si nutre degli incontri artistici che segnano il nostro percorso, e quelli dell’infanzia lasciano un’impronta indelebile. Da bambini, le emozioni artistiche ci colpiscono profondamente. Ciò che distingue gli artisti dagli altri adulti è questa capacità, intatta e infantile, di meravigliarsi davanti alla bellezza di una linea e di desiderare di farla propria.
Hai collaborato con case di lusso come Dior, Chanel e Van Cleef & Arpels, oltre che con riviste prestigiose come Vogue e Madame Figaro. Come adatti il tuo approccio artistico per soddisfare le aspettative di questi diversi universi, pur preservando la tua firma visiva?
Per ogni progetto, mi impegno a proporre qualcosa di nuovo. Amo sorprendere me stesso e ampliare costantemente il mio campo d’azione. Quando lavori a lungo in un settore, c’è il rischio di essere identificato con un unico stile, il che può diventare limitante. Per questo metto molta energia nel mostrare sfaccettature diverse, per non sentirmi intrappolato. La mia sensibilità e le mie emozioni conferiscono coerenza al mio lavoro. Tutto deve essere vivo, gioioso. Bisogna muoversi continuamente per non farsi ingabbiare.
Il tuo lavoro per Madame Figaro durante le Fashion Week, dove realizzi una trentina di disegni in tre giorni, è spesso paragonato alle Olimpiadi. Quali sfide affronti in questo esercizio intenso e come scegli i look da illustrare tra una lista ristretta di sfilate?
Durante le Fashion Week, ho tre giorni per consegnare una cinquantina di disegni. Spesso sono io a scegliere gli outfit da rappresentare, una responsabilità che richiede di mantenere la mente lucida e uno spirito analitico per individuare i capi più memorabili di ogni collezione. Dopo ogni sfilata, faccio una prima selezione, che poi affino in base all’interesse grafico degli abiti. Schizzo su un taccuino per testare l’efficacia visiva di ogni look, scartando quelli che non funzionano. Un abito ben riuscito si disegna con facilità, anche se non necessariamente in poco tempo. È raro che un capo che non rende in disegno sia davvero un successo.
La tua collaborazione con Renaud Pellegrino per personalizzare borse con i tuoi ritratti ha lasciato il segno. Cosa ti ha ispirato in questo progetto e come hai affrontato la sfida di trasferire le tue illustrazioni su un supporto unico come una borsa rigida?
Adoro Renaud, e il desiderio di collaborare era reciproco. Avevo già realizzato alcune immagini pubblicitarie per lui, e ci eravamo divertiti molto. Le minaudières sono nate in due fasi: prima con altri artisti, poi solo io e Renaud. In realtà, non ho semplicemente trasferito le mie illustrazioni su quel supporto: le ho create appositamente per esso. Nessun materiale è davvero impossibile da affrontare; a volte richiede strumenti diversi o l’accettazione di effetti particolari.
Nel 2021, hai partecipato al programma 20h30 le dimanche su France 2, disegnando gli ospiti in diretta. Com’è stato lavorare sotto la pressione televisiva e cosa hai imparato da questa esperienza sul tuo processo creativo?
È stato entusiasmante, ma anche estenuante! Il palco era enorme, e non riuscivo a distinguere chiaramente i volti degli ospiti. Per questo, mi preparavo per tre giorni prima della trasmissione, memorizzando i loro lineamenti per farli fluire naturalmente sotto il mio pennello. La mia partecipazione durava solo 20 minuti, quindi ho dovuto imparare a prendere decisioni rapide ed efficaci, a volte fermando il tratto molto prima di quanto avrei voluto, senza il tempo di pormi le domande che mi pongo quando disegno con calma a casa.
Il tuo libro Reflets Catherine Deneuve, pubblicato nell’ottobre 2024, celebra un’icona del cinema francese. Cosa ti ha spinto a dedicarle un libro e come hai cercato di catturare la sua essenza attraverso i tuoi acquerelli?
Non so se sono riuscito a catturare davvero la sua essenza, ed è proprio questa la bellezza della sfida. Come tradurre su carta ciò che ci affascina di un’attrice così enigmatica e riservata? Attraverso i miei testi e disegni, il libro racconta il mio tentativo di avvicinarmi a una stella che brilla altissima nel firmamento.
Hai detto che il tuo inchiostro Nude per Jacques Herbin è nato dopo anni di sperimentazione. Puoi raccontarci di più sul processo di creazione di questo colore e su cosa rappresenta per te come artista?
Quel colore era una miscela che avevo perfezionato per i ritratti destinati alla stampa, ma non sapevo come produrla su larga scala. Quando ne ho parlato con Jacques Herbin, mi hanno proposto di realizzarla in grande quantità. È stato un progetto stimolante. Mi piacerebbe continuare a sviluppare questa gamma di tonalità nude, per rappresentare ogni tipo di carnagione.
Hai lavorato a progetti molto diversi, dall’affiche di The Fashion Freak Show di Jean Paul Gaultier a collaborazioni con personalità come Melania Trump. Quale progetto ti ha segnato di più a livello personale e perché?
Ogni progetto è intenso quando lo vivi. Tuttavia, ho un affetto particolare per tutto ciò che ho realizzato con Inès de la Fressange. Le devo molto. Lavorare con lei è sempre un piacere: sa rendere tutto leggero, come se fosse un gioco, senza mai far sembrare nulla troppo serio.
Il tuo stile è spesso descritto come un equilibrio tra dolcezza e forza, con linee nere audaci e acquerelli delicati. Come bilanci questi due aspetti nelle tue opere e c’è un’emozione o un messaggio che cerchi di trasmettere?
Non c’è nulla di teorizzato. È il mio inconscio a guidarmi. Un disegno deve “funzionare”, e per capirlo lo osservo a lungo. A volte lo metto da parte e lo riprendo in mano solo la sera. Quando sei immerso nell’emozione della creazione, puoi entusiasmarti per un disegno senza notare che qualcosa non va. Solo la pazienza e il distacco permettono di giudicare davvero.
Essendo un artista autodidatta proveniente da una famiglia di artisti, come ha influenzato il tuo background familiare il tuo approccio all’illustrazione? E quali consigli daresti ai giovani illustratori che vogliono seguire le tue orme?
Sono l’unico nella mia famiglia ad aver fatto dell’arte una professione. Il nostro background familiare ci influenza sempre, in un modo o nell’altro. Nella mia famiglia, però, essere artisti non era considerato un mestiere, ma piuttosto un talento da coltivare, come cavalcare o suonare uno strumento. Condivido molto con mio fratello e gli mostro tutti i miei lavori. Ai giovani illustratori consiglio di ribellarsi alla mediocrità visiva che ci circonda, di non accontentarsene. Non si diventa grandi artisti se non si ha qualcosa di unico da offrire al mondo, se ci si limita a replicare ciò che già esiste.